Indústria musical e videoclipe, um desafio constante

Uma das formas de expressão mais importantes surgidas no calor da chamada indústria cultural do século XX é, sem dúvida, o videoclipe. A então nova aproximação entre o público e um produto musical com a sua alternativa visual seria rapidamente absorvida por uma voragem de propostas que, em cada caso, responderiam inequivocamente a um único propósito: promover determinada música.

Com o auge da fonografia, bem como do cinema e da televisão, que já se tinham tornado grandes meios de comunicação de massa, era apenas uma questão de tempo até que surgisse no cenário mediático um género — embora alguns o classifiquem como subgénero — que fosse o veículo ideal para divulgar a música, mas que apresentasse diferenças estilísticas, formais e conceptuais em relação ao cinema e ao teatro musical.

O videoclipe surgiu, basicamente, da necessidade de sintetizar o consumo para uma indústria que precisa divulgar cada vez mais o seu conteúdo, pois permitia ao espectador assistir a diversos materiais no mesmo intervalo de tempo diante de um determinado emissor. Graças à segmentação proposta pelo videoclipe, o público podia dinamizar o seu tempo e desfrutar da sua música favorita em apenas três minutos. De passagem, assistiu-se ao nascimento de uma estética visual inovadora, na qual a promoção era o eixo principal de atenção.

Nessa linha, manifestaram-se tendências em consonância com a perspetiva de cada artista, o que na linguagem dos meios de comunicação social costuma ser designado como recurso diegético. Por exemplo, se for escolhida uma canção romântica dentro do ambiente da música country norte-americana, o cenário decorativo do videoclipe gira em torno dessa estética a partir de elementos como o vestuário, o uso de animais, locações rurais, fotografia propícia e costumes típicos dessa comunidade; e o recurso musical é enfatizado visualmente, mas focado no público seguidor desse determinado artista ou banda.

Dessa forma, a partir do videoclipe, algumas propostas foram delineadas, embora seja válido observar que a ousadia de muitos realizadores também quebraria os códigos mais tradicionalistas daquela época, incluindo motivos artísticos do cinema.

No entanto, como reflexo da arte popular, o videoclipe tinha a capacidade de se tornar uma faísca incontrolável carregada de mensagens com determinados fundamentos ideológicos, e surgiram canções e videoclipes com profundas críticas sociais e políticas, contra anos de racismo, violência e segregação, por exemplo. Diante disso, a indústria dominante não demorou a reagir e o caminho escolhido foi simples: a alienação como conceito.

Assim, começaram a ser utilizados códigos visuais como violência nas ruas, gangues, uso de armas de fogo, consumo e tráfico de drogas, ou qualquer tipo de elemento que ignorasse o papel social das minorias e as apresentasse como criminosos grosseiros e não como uma comunidade com anseios e direitos; acompanhados de canções cujos textos nada, ou muito pouco, refletiam essas projeções. Foi então que uma parte importante do videoclipe e da música começou uma viagem sem retorno, onde a futilidade era o prémio e a alienação o caminho.

Em Cuba, muito se debateu sobre o assunto e, embora se pense o contrário, foi uma batalha em que o artístico prevaleceu sobre a banalização do mercado, cada um encontrou o seu próprio nicho e não se produziram grandes dilemas conceptuais.

No entanto, o novo cenário actual difere muito dos esquemas anteriores e os modos de consumo têm mudado a partir de diversas perspectivas: espaços privados antes impensáveis e diferentes formas de acesso à informação exigem visões ousadas a partir da criação e da legitimação cultural. Por isso, não perder o rumo continuará sendo o desafio mais importante nos dias de hoje.

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